La ciudad de Caral

Nota: En un sitio llamado Arqueología de Perú he encontrado un apasionante trabajo escrito y graficado por Lizardo Tavera sobre el sorprendente hallazgo arqueológico de la ciudad de Caral. Reproducimos en todas sus partes dicho trabajo por considerarlo de alto valor cultural. 

Caral es la ciudad más antigua del Perú (más de 5000 años desde el presente) y cede de la primera civilización andina que forjó las bases de una organización social propia y singular, que junto a Mesopotamia, Egipto, india, China y Mesoamérica son los focos originarios de cultura en el mundo.

Vista panorámica de tres de las pirámides del Sector Alto tomada desde la cima de la Pirámide Mayor

Ser constructores de colosales edificios con forma de pirámide distingue a la gente de Caral de los demás pueblos de su tiempo en los andes. La pirámide en los andes es un edificio de grandes proporciones usado por los curacas (gobernantes) como el centro de sus actividades, ya sean religiosas, políticas o económicas. Era el símbolo y centro del poder. Allí se realizaron las ceremonias que garantizarían el orden establecido en fechas señaladas por un calendario ceremonial que emulaba el ritmo de la naturaleza.

Las pirámides de Caral son las más antiguas encontradas hasta la fecha en los Andes: datan de hace 5000 años (3000 a.C. aproximadamente). Construir estructuras de este tipo necesitó de un alto grado de tecnología y organización social para afrontar los problemas de su construcción y el elevado gasto de materiales y energía.

Mapa de ubicación.

Esta antigua ciudad de pirámides fue levantada en la margen izquierda del río Supe sobre una gran terraza que está a 350 metros sobre el nivel del mar. Este sitio ocupa un área de alrededor de 65 hectáreas. El valle de Supe es una estrecha quebrada fértil que en éste lugar tiene un ancho máximo de 1.5 kilómetros y alberga a lo largo de su recorrido un gran número de otros sitios con pirámides contemporáneos con Caral como: Era de Pando, Lurinhuasi, Miraya, Allpacoto, Aspero, Chupacigarro, entre otros.

El Proyecto Caral (PEACS)

Hasta antes de las investigaciones arqueológicas en Caral se consideraba que en los inicios de la civilización andina los antiguos peruanos se organizaron en pequeñas aldeas dedicados a la recolección de tubérculos o mariscos y la caza en pequeña escala. Se consideraba, también, que en los momentos previos a la aparición de la cerámica (1800 a.C.) aparecieron las primeras pirámides y templos, como La Galgada o Kotosh, respectivamente, y que los grandes conjuntos de monumentales pirámides corresponden al período siguiente: Inicial (1800 a.C. a 800 a.C.).

Sin embargo todo esto cambió, pues los trabajos e investigaciones realizadas desde 1994 por el Proyecto Especial Arqueológico Caral - Supe (PEACS) dirigidos por la Dr. Ruth Shady han demostrado, con fechados en base al método de datación del carbono 14, que en tiempos tan remotos como hace 5000 años (3000 a.C.) Caral era una vibrante ciudad de monumentales pirámides.

Vista frontal de la Pirámide Menor.

La Dra. Shady y los miembros del PEACS realizaron entre 1994 y 1995 una prospección en el valle de Supe, identificando sitios arqueológicos considerados muy antiguos, determinando sus características, parecidos y diferencias. Fue entonces que eligen a Caral como punto de inicio basados en la ausencia de restos de cerámica en superficie, la diversidad arquitectónica del sitio, el orden aparente en que están ubicadas las pirámides y la monumentalidad de dichas estructuras. En 1996 se iniciaron las excavaciones que no han parado hasta la actualidad (año 2006). Más aún, han elaborado un "Plan Maestro", documento que da los lineamientos necesarios para convertir el valle de Supe y su patrimonio cultural monumental en un eje de desarrollo socioeconómico integral y sostenible en la región costera nor-central del Perú (Shady 2004).

Caral, cuna de la civilización andina

Se ha planteado sobre Caral que fue cede de una comunidad formada por varios linajes y dirigida por las cabezas o representantes de dichos linajes (Shady, Dolorier y Casas 2000) en donde uno de ellos sería el "principal" (¿Curaca?) y los otros sus contrapartes. Los Curacas de estos linajes conducirían y organizarían la vida de los habitantes de las diversas ciudades y pueblos contemporáneos a Caral como Aspero, Allpacoto, Miraya, Kotosh y La Galgada entre otros. Todos ellos compartían una misma tradición y formaron una amplia y bien organizada red de reciprocidad e intercambio (Shady, Dolorier y Casas 2000). Caral debió ser la cabeza de toda esta red.

Escalinata en el Templo del Altar Circular.

Lo que los mantuvo unidos fue la religión, que se usó como medio de cohesión y coerción (Shady 2004). La religión en esa época fue la política del estado para el control de la población (Shady 2004), de la producción de bienes y su circulación. Ello está representado en los grandes monumentos de carácter religioso (las pirámides) con sus plazas, atrios y altares del fuego sagrado en donde se llevaron a cabo las diferentes festividades del calendario ceremonial, símbolo de su identidad cultural (Shady 2004). Las periódicas reuniones y actividades conjuntas como la renovación de las pirámides permitían el reconocimiento del poder y fortalecían la identidad cultural (Shady 2004).

Todo lo anterior es la base de la civilización andina y están presentes en Caral como los exponentes más antiguos de las principales instituciones peruanas de la época prehispánica, como la reciprocidad (sistema de intercambio y circulación de bienes y servicios), el calendario ceremonial (ligado a la producción, el cultivo y la pesca) o la construcción y renovación de los templos, entre las más destacadas.

Caral hoy

Como hace 5000 años Caral es de gran importancia en la historia del Perú, como centro de investigaciones permanentes, creadores de ciencia y cultura y como polo de desarrollo que impulsará a su región hacia el desarrollo económico y social.

Festival turístico y cultural organizado por el PEACS con la participación de la población local en Caral.

Apuntes sobre Samuel Beckett

 

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Nota: Nuestro dilecto amigo y colega Carlos Castro me envía una genial colaboración cuyo título se presenta muy bien. Al mismo tiempo que agradecemos la distinción recibida con este trabajo envitamos a todos a disfrutar de él. 

G.C.

En principio se retomó a Beckett para hablar de cómo se ha clasificado este autor: escritor del absurdo, autor contemporáneo, parco, tímido, medio bufonesco. Se abordaron tres períodos de la obra de Luis Samuel Beckett: Poesía, Teatro, Ensayo; dejando claro que, a pesar de ser tres géneros diferentes, el autor mantiene la uniformidad en el universo temático, en el estilo, etcétera. Decía que su interés por los géneros era la forma.

Beckett escribió guión para cine y dejó una película titulada “Film”, quiere decir “membranas de dos caras”, “ser es ser percibido”, se plantea ¿es posible ser imperceptible? En el exterior el personaje es percibido y el mismo puede percibir. En el interior, solamente es percibido en lo que él percibe: el afecto quiere decir hacer una misma percepción como acción, percepción como ser percibido, percepción como afección, percibirse es completarse.



Escribió piezas para danza, su erudición no era pomposa, era pragmático, no le interesaba cualquier “forma”, este término lo entendió en su propia etimología: freno, contenerse. Desde joven, al escribir la obra “Los huesos de eco”, quería una forma de representación auditiva, visual, sin actores, contener y poner la voz en off. Decía que la posibilidad, es siempre que el teatro sea tragedia o comedia, mi intención es que no sea ni lo uno ni lo otro, sino los dos al mismo tiempo.

La palabra clave en sus obras: Quizás, tal vez, quién sabe, (lo ambiguo como discurso estético). Categoría en la estética de Beckett: lo bello es lo sublime, “concepto” es limitación, “lo teórico” es formal, “lo barroco” es infinito, trágico y cómico. Lo sonoro es un contrasentido, porque el teatro es lo que se ve. El arte es juicio, proceso, valores estéticos.

Mientras en Harold Pinter pensar es hacer algo, en Beckett es escuchar, en su literatura, rescata dos mitos: “El Prometeo” es el que promete y “el Epitemeo”, que es el que se queda atrás. “Lo que se repite en Beckett es un proceso de eco, es infinito, pero va a llegar a “algo”. Maneja en sus obras el “Litote”: recurso técnico donde se dice mucho, diciendo poco. Beckett, siempre quiso difundir los diferentes géneros: Tragedia, remite a ida, a derrumbe, descenso. Comedia se ha identificado con el sentido opuesto (ascensión), en la edad media significaba canto de gloria. Beckett toma estos elementos como referencia para escribir sus textos, escribe “Esperando a Godot” bajo estas premisas, utiliza los diálogos como una plantilla (lo opuesto en los personajes)

Luis Samuel es un estudioso de la comedia: Antigua, Moderna, Y Renacentista; ve la comedia tal y cual la escribió Aristóteles: “la comedia es terrenal, tiene que ver con los hombres y la tragedia con los héroes (es íntegro, no logra escapar de su destino). La comedia es burla y sarcasmo para imitar actos carentes de belleza, es imitación de lo humano. Lo ridículo constituye una modalidad de lo feo, es un error o deformidad que no produce daño... Lo cómico está ligado a un momento específico de cada hombre. Beckett decía que era esta condición ridícula que diferenciaba la tragedia y la comedia, por un resultado de ignorarse a sí mismo; los ridículos poseen cierto poder y su ignorancia afecta negativamente a los otros.

Beckett identifica tres tipos de comedia: 1ro. “No conocerse a sí mismo”, no se aprecian a sí mismos en sus justos términos o se engrandecen y pagan de sí mismos: son narcisistas. 2do. “No saber de sí”, al no saber de sí, el sujeto adquiere poses que son externas... 3ero. “El que no se conoce a sí mismo”, al no conocerse se excede a sí mismo, es incontenente: sexual, digestivo o verbal, no conociéndose, se siente incapaz de actuar por sí mismo, necesita de los otros, se aprovecha de las trampas, engaños, de las debilidades de los otros. Ben Jhonson resumía estos personajes en dos: 1) Manipuladores 2) Víctimas.

La comedia tiene un carácter satírico, burlón, se mete con todos, con las instituciones, o los personajes más nobles. Esto le ha dado algo nodal, apenas se desarrolla la trama, se centra en el personaje, se construye y se destruye; de ahí que su trama dramática se sitúa en estos personajes. La comedia antigua no posee una trama desarrollada. La comedia moderna acentúa el drama y el carácter situacional de la trama. La comedia antigua terminó porque se impuso una moderación del lenguaje, donde lo irracional de la comedia ya no tendrá un carácter corrosivo, sino educativo.

¿Son reales los gnomos?

LOS GNOMOS EN LA
PASIÓN CULTURAL

Revisemos los datos que sobre ellos he encontrado:


¿Quiénes son?

Según las antiguas mitologías del Norte de Europa y ciertas doctrinas cabalísticas (practicada por los hebreos), los gnomos son cada uno de los enanos fantásticos o genios elementales de la Tierra, en cuyas entrañas moran trabajando en las minas, custodiando los tesoros subterráneos y cuidando de los metales y piedras preciosas. El vocablo gnomo fue utilizado por el alquimista suizo Paracelso en su Tratado de los elementales, publicado en 1566. Sobre ellos decía: “son ciertas gentes a las que no se puede cortar el camino con pestillos y cerrojos." 

"Rey invisible que has tomado la Tierra por sostén, que has abierto los abismos para henchirlos con tu potencia; tú, cuyo nombre hace temblar las bóvedas del mundo;

¿De dónde viene el nombre?

Su etimología no está clara procediendo del término griego gnome, para unos, y gignosko para otros, que significa aprender, conocimiento, sabiduría, etcétera; puesto que esos seres conocían todos los secretos e la Tierra y también del Cosmos.

También se piensa que sus nombres podrían deribar de las lenguas germánicas. De lo que no hay dudas es de la inmensidad de sus poderes.

 

tú, que haces correr los siete metales por las venas de la tierra; Monarca de las siete luces, remunerador de los obreros subterráneos, llévanos al aire deseable y al reino de la claridad.

¿A quiénes se parecen?

Los gnomos, aunque no pertenecen propiamente a la Mitología sino a la Superstición, recuerdan a los telquines y a los cabiros, genios que representan el trabajo en los metales adorados por los griegos en localidades de naturaleza volcánica.

Sin embargo, los mitólogos nada concreto han dicho, hasta ahora, que pudiese demostrar la relación entre esos personajes míticos de Grecia y los gnomos.

Nosotros velamos y trabajamos sin descanso, buscamos y esperamos por las trece piedras del Círculo Sagrado, por los tesoros que están enterrados, por el clavo de imán que atraviesa el centro del mundo.

¿Para dónde se fueron?
Estos se repartieron con la filosofía pitagórica cabalística por todo el globo terraqueo y aunque sufrieron varias modificaciones, según que se fueron acomodando a las distintas naturalezas de los pueblos, siempre conservaron el carácter de dueños del imperio de la Tierra y de guardianes de sus minas. Porque, eso, siempre están cerca donde hay tesoros. ¿Por eso están hoy en La Pasión Cultural?
  

Señor de la tierra: ensancha nuestros pechos, levanta nuestras cabezas; engrandécenos.

¿Atributos?

Se les atribuyen poderes mágicos, esto es debido a que no están atados a la forma racional de entender el mundo como los seres humanos, conservan tradiciones de millones de años y su objetivo es el ascenso espiritual, pero no como lo entendemos nosotros, sino por una evolución de la conciencia como seres de luz acompañando a la tierra. Les cuesta mucho el desarrollo, pero no dejan su camino, además su destino es morir cuando la tierra muera. Por eso están en armonía con la tierra y sus tesoros, tienen acceso a cualquier lugar del planeta.

!Estabilidad y movimiento¡ !Día envuelto en la noche¡ ¡Blancura perfecta! ¡Oscuridad velada por la luz! ¡Esplendor Dorado! ¡Corona de vivientes y melodiosos diamantes!

¿Dónde viven y cómo son?

El gnomo verdadero vive normalmente dentro del doble etérico de la tierra; es por lo común delgado y larguirucho, de apariencia grotesca, cadavérico, con mandíbulas en forma de farol, y a veces solitario. Da la impresión de extrema vejez; toda su apariencia y porte difieren cabalmente de los del hombre actual. Sus brazos son demasiado largos para nuestro sentido de la proporción, y como sus piernas, están doblados en las articulaciones como si se hubiesen endurecido con la edad. Su tez es muy tosca y áspera, los ojos son pequeños y negros, con un leve sesgo hacia arriba en los costados. Como se dijo, el gnomo es aparentemente una reliquia de los tiempos de la antigua Lemuria y, si esto es cierto, puede significar que el tipo es una representación de la apariencia de la gente de esa época.
  

Tú, que llevas el cielo en tu dedo como una sortija de zafiro; tú, que escondes bajo tierra, en el reino de la pedrería, la simiente maravillosa de las estrellas, vive, reina y sé eterno dispensador de las riquezas de las que nos hemos hecho guardianes.

¿Qué hacen ahora?Pues resulta que ellos han decidido obligar a todo el mundo a aquirir libros dominicanos para regalar en navidad, a hacer que todos entiendan que... la magia de diciembre justo hoy ha comenzado; por lo tanto la diversión sana con amigos y familiares es de rigor. También, dicen los gnomos, aquellos que no vean Teatro dominicano serán castigados y peores consecuencias les esperan a quienes no lean poesía.

¡Dicho ha sido!

No nos hacemos responsables de las consecuencias que podrían sobrevenirles por ignorarlos.

 

¡Ayúdanos!"

¿Eternos rivales?

Nota: Soy artista y he ejercido también el oficio de la Crítica. Confieso que no resulta nada cómodo hacer ambas cosas. Frecuentemente me preguntaba si era o no ético hacerlo. ¿Lo es? Ahora cuando ocasionalmente formulo algún comentario crítico, es porque encuentro valores en una representación. Pero sé que, entonces, no criticar se convierte en la peor de las críticas. ¡Qué dilema! De todos modos entremos en el tema.

 ¿Qué es el Arte?

Se trata de una disciplina o actividad, pero en un sentido más amplio del concepto, decimos que el talento o habilidad que se requiere para ejercerlo está siempre situada en un contexto literario, musical, visual o de puesta en escena. El arte involucra tanto a las personas que lo practican como a quienes lo observan; la experiencia que vivimos a través del mismo puede ser del tipo intelectual, emocional, estético o bien una mezcla de todos ellos.

El mundo había aceptado la combinación de función práctica del arte con la estética. Sin embargo, en el siglo XVIII, Occidente le asignó al arte un valor estético que contaba, eso si, con una función prática: Es un medio por el cual un individuo expresa sentimientos e ideas. Entonces vemos ese conjunto plasmado en pinturas, esculturas, canciones, realizaciones escénicas, etcétera.

¿Qué es la Crítica? ¿El principal enemigo del arte?

Pocos piensan que sea su aliado. Yo la veo como una crónica del acontecimiento artístico y al crítico como un Testigo. A los criticones (esos son los más) ni los veo, mucho menos los leo.

En el diccionario de la Real Academia Española se define la Crítica como “el arte de juzgar de la bondad, verdad y belleza de las cosas”, y en la Enciclopedia Británica como “la técnica de juzgar las cualidades y valores de un objeto artístico, tanto en materia de literatura como de Bellas Artes”. Ambas se encuentran en la línea donde se encuadra el periodismo, y que coincide con su origen etimológico, del griego kriticós, que significa “que juzga”.

Empero, la rivalidad existente entre artistas y críticos es legendaria y antólogica. Para que disfruten un poco veamos algunas opiniones sobre ambas actividades.

                                                 El Arte:

“La misión del arte no es copiar la naturaleza, sino expresarla.

Honorec de Balzac

“El arte es el presentimiento de la verdad”

Alexander Blok

"Nada tiene que hacer el arte con la verdad."

Wofgang Borchert

"No me interesa copiar la naturaleza. Me interes más la posibilidad de ponerme a su altura."

Geroges Braque

"Si el mundo fuera obvio, el arte no existiría. El arte nos ayuda a penetrar la opacidad del mundo."

Albert Camus

"El arte es la más bella de las mentiras."

Claude Debussy

"La síntesis espiritual de un país es su arte."

Ángel Ganivet

"No admito más que una cosa que no sea natural: la obra de arte."

André Gide

"En arte, el hijo instruye al padre; la obra, al maestro."

Fredrich Hebbel

"El arte no es una cosa, sino un camino."

Elbert Hubbard

"El arte tiene don de lenguas."

James Joice

"El arte es un modo que tiene el hombre de rescatar su propia grandeza oculta."

André Malrauux

"En arte toda repetición es nula."

Ortega y Gasset

"El arte consiste en ocultar el arte."

Ovidio

"El arte es el único lenguaje que no está corrompido."

Robert Rauschenberg

"Ningún artista ve las cosas como son en realidad. Si las viese así, dejaría de ser artista."

Oscar Wilde.

Opiniones envenenadas sobre la Crítica:

"Un crítico es alguien a quien le señalas la Luna y él se concentra en si la uña de tu índice está bien recortada" Dario Fo "La crítica litararia suele proceder de décifit de amor.” George Steiner, “La crítica es la fuerza del imponente.” Alphonse de Lamartinees “El crítico de arte es el peor enemigo del arte.” Wasily Kandinsky “Muchos críticos de hoy han pasado de la premisa de que una obra maestra puede ser impopular, a la premisa de que si no es impopular no puede ser una obra maestra.” Gilbert Keith Chesterton “Los críticos ven la música y oyen la pintura.” Valeriu Butulescu “Al mirar hacia atrás, el crítico ve la sombra de un eunuco. ¿Quién sería crítico si pudiera ser escritor?" George Steiner “En los mejores días del arte no existían los críticos.” Oscar Wilde “Un crítico novato es coma un niño con escopeta: a menudo dispara sobre todo ser viviente que ve, pensando en su puntería y no en el dolor que causa.” Henry Longfellow Wadsworth “Con las piedras que con duro intento los críticos te lanzan, bien puedes erigir tu monumento.” Immanuel Kant “Leemos a los críticos como leemos el horóscopo: por curiosidad, no para tenerlos demasiado en cuenta.” Horacio Altuna. "La crítica convertida en sistema es la negación del conocimiento y de la verdadera estimación de las cosas." Henry F. Amiel "Un mal escritor puede llegar a ser un buen crítico, por la misma razón que un pésimo vino también puede llegar a ser un buen vinagre." Francois Mauriac "Uno está tan expuesto a la crítica como a la gripe." Friedrich Durrematt "Exposición, crítica y apreciación son labores de mentes de segunda fila." Godfrey H. Hardy "Ordenar bibliotecas es ejercer de un modo silencioso el arte de la crítica." Jorge Luis Borges. "Las críticas son cartas al público que ningún autor tiene que abrir ni leer." Rainer María Rilke "Quien se enfada por las críticas, reconoce que las tenía merecidas." Tácito "La gente te pide críticas, pero en realidad sólo quiere halagos." William Somerset Maugham “Los críticos son los hombres que han fracasado en la literatura y en las artes." Bejnamen Disrali

Actores griegos

Nota: En la revista digital Thetron hemos encontrado un rico material sobre teatro, sobre todo griego. Nos proponemos publicar algunos artículos de mucho valor para nosotros.


Los actores:

El pueblo griego se encontraba por primera vez ante la necesidad de diferenciar el personaje del actor, pues hasta entonces sólo había tenido acceso a la literatura relatada en la cual sólo existe el personaje. Con la aparición del teatro, la diferenciación fue una necesidad, y el pueblo griego fue pronto consciente de que el actor sólo mimetizaba al personaje. En un mundo como el nuestro en el que tenemos totalmente asumida esta diferencia, debemos tener en cuenta que en el mundo griego no era así, sino que, por primera vez, esto sucedía. De este modo se explican algunas de las características de los actores griegos. Hoy en día comprendemos un teatro en el que cada actor es un personaje, sin embargo, en la Grecia Clásica, un mismo actor podía hacer de dos personajes diferentes, esto se debe a que los griegos tenían muy asumido lo que era un personaje y lo que era un actor, que fuera el mismo actor era sólo una circunstancia, lo importante era el personaje.

Se dice que fue Tespis el que inventó al actor, el primer actor. Posteriormente cada uno de los dramaturgos iría añadiendo o inventando nuevos personajes: Esquilo inventa al deuteragonista (el segundo actor) y nótese que en ninguna de sus obras aparecen en escena jamás más de dos actores (¡porque no se había inventado el tercero! Entre dos actores se repartían todos los personajes). Sería Sófocles el que inventara el triagonista (el tercer actor) y Eurípides seguiría en la línea de Sófocles con sólo tres actores aunque, en ocasiones, añade un cuarto, que no habla. Así tenemos:

                              Protagonista - primer actor

                              Deuteragonista - Segundo actor

                              Triagonista - tercer actor

Conforme va creciendo en número de actores, es lógico pensar que se incrementan las posibilidades dramáticas, la acción se enriquece, pero claro, con más actores, es lógico también que decrezca el coro.

Sin embargo, las consecuencias del incremento en el número de actores son mucho más importantes que las ya dichas. Cuantos más actores, lo cierto es que se va perdiendo la especial relación que en sus inicios tenía el teatro entre actor y personajes, el fuerte carácter mimético. La acción se hace más realista, sí, pero se pierde el sentido ritual y religioso del teatro griego.

El coro:

En sus inicios, el coro fue un elemento fundamental del teatro griego, aunque más tarde iría perdiendo esta importancia hasta llegar a desaparecer, tomando el protagonismo el personaje.
  
¿Qué hacía el coro? ¿Para qué servía?
El coro poseía aquellas funciones de plegaria e invocación, de oración y de participación de la ceremonia religiosa, por lo que se ve claro su tinte religioso y cultural.  Pero además el coro servía como narrador de la historia, lo mismo nos cuenta aquello que está sucediendo y que no vemos, que presagia hechos futuros o nos cuenta los pasados.

El coro, además, es el elemento enlace entre los distintos episodios, se distinguen entre ellos gracias a las entradas y a las salidas del coro que los cierra y abre.

El corifeo muchas veces (el corifeo es el dirigente del coro) y el coro otras tantas, realiza la función de "comentador" de la acción, dándonos las claves y las consecuencias de las acciones de los personajes, casi como la voz de la experiencia o de la conciencia. Otras veces es más bien un elemento de enlace entre la acción y el espectador, casi como siendo una conciencia colectiva de los espectadores.

Pero para Roland Barthes la función primordial del coro es la de preguntar, la de incitar a la meditación, ya sea una pregunta al personaje, a los dioses, a sí mismo, es el coro es que hace manifiesta la pregunta fundamental de cada tragedia.

Premisas sencillas para un dramaturgo principiante

Introducción:

Ocasionalmente a todo dramaturgo alguien preguntará ¿Cómo escribir una pieza de teatro? La respuesta parecería simple. No es así.

Para nosotros escribir teatro es algo tan natural que lo hacemos desde un mecanismo interior que nos resulta “mecánico”.

Sin embargo, mi experiencia corrigiendo textos teatrales (hasta de intelectuales connotados que intentan ser dramaturgos, pero que al parecer no tienen ideas de la estructura que demandan las obras de teatro), me indica que hay serios problemas en ese sentido. 

Esa estructura es imprescindible ya que, prácticamente, se convierte en un código escénico.

Como un aporte a los interesados brindamos esta premisas sencillas que servirán de mucho a los que se inician. 

Estructura básica:

Las obras vienen divididas en actos (muchas tienen solamente uno), los actos en cuadros y los cuadros en escena (que se determina con la salida o entrada de un un personaje).

Estructura física:

Las obras de teatro son dialogadas. Tienen acotaciones y algo un poco más complejo que llamamos condiciones dadas.

Generalmente las acotaciones se presentan en un formato diferente (entre paréntesis, en mayúsculas, cursivas, negritas, etc.) al de los diálogos. Así los futuros lectores y realizadores teatrales no podrán confundirse.

Usualmente los dramaturgos inician la pieza dando instrucciones panorámicas sobre los personajes, escenografía, vestuario y hasta luces. Pero advierto que no todos siguen este patrón formal.

Los nombres de los personajes aparecerán en mayúsculas o en un formato que demuestre claramente su condición. Cuando su nombre es citado dentro de un parlamento se siguen las reglas gramaticales normales.

Dos tipos de acotaciones en mi obra “Obsesión en el 507”:

UNA LUZ EN MOVIMIENTO NOS MUESTRA INTERESANTES DETALLES DEL INTERIOR DEL APARTAMENTO 507: FOTOS DE ACTORES Y ACTRICES FAMOSOS, CARTELES DE PELÍCULAS, UNA CÁMARA DE VÍDEO EN SU TRÍPODE, DOS SILLAS DE DIRECTOR DE CINE, UN MEGÁFONO, DOS TELEVISORES GRANDES, DOS MONITORES DE CINE, DOS CATRES EN EL CENTRO, UNA MESITA CON DOS TELÉFONOS DISTINTOS Y UNA MESA DE COMER PARA CUATRO PERSONAS.

BLANCHE: (ESTALLA EN RISA. ABANDONA SU PAPEL DE POLICÍA.) ¡Te engañé!

Las condiciones dadas son especificaciones que hace el autor, dentro de los parlamentos, sobre personajes o aspectos de la escena.

LUCRECIA: Siempre estás buscándole la quinta pata al gato. Ciertamente me llamo Lucrecia, pero quien es Borgia aquí eres tú.

BLANCHE: Sin embargo, la que tiene su obsesión con los venenos no soy yo, no. ¿Qué estabas viendo en la tele?

LUCRECIA: “El lado oscuro del corazón”.

BLANCHE: ¡Pero otra vez! ¿Qué? (IMITANDO A UNA ARGENTINA.) Hija, ¿planificas envenenar a Subiela?

Los personajes:

Como lo único realmente imprescindible en el teatro son los actores es importante que el dramaturgo precise bien el perfil de los personajes de una pieza teatral. Estos son los seres que llevarán toda la trama, todo el mensaje y los objetivos de la obra. Serán tanto como demande la pieza.

Los dramaturgos cuidarán siempre de no traicionar a sus propios personajes. Luego de ser “creados” ellos tendrán comportamientos específicos, ademanes propios y emociones particulares.

Todo dramaturgo debe procurar que las acciones que ejecutan sus personajes correspondan con la sicología que él les ha construido. Después de esto los personajes adquieren cierta “independencia”.

Conozco obras de teatro donde los personajes en algunos parlamentos asumen posiciones sociales, políticas y filosóficas que no les son propias. Estas corresponden, más bien, a conceptos del dramaturgo, que en este caso debió incluirse él mismo como personaje.

Parlamentos y acciones de los personajes:

Los parlamentos son las palabras que el dramaturgo asigna a sus personajes. Estos deben estar acorde, como ya hemos dicho, a las características de los mismos.

El diálogo continúo, excepto en los monólogos, es lo usual dentro de una pieza. teatral. Cuando un personaje se explaya explicando una situación a ese parlamento llamamos soliloquio. Efecto que tiene que ser administrado cuidadosamente. Su proliferación puede hacer la obra lenta y pesada. El diálogo picado siempre ayudará al ritmo de la obra teatral.

Todo lo que los personajes realizan en el escenario se llama acciones. Estas (como enseñó Stanilavsky) deben ser “lógicas, coherentes y reales”.

Hay dos tipos de acciones: Físicas y sicológicas. El equilibrio de las mismas es vital en un buena pieza teatral.

Todas las acciones de los personajes deben dirigirse, directamente, hacia la Línea General, Línea Ininterrumpida (La trama o tema de la obra). 

 

La trama:

Es aquello de lo que trata la obra. Lo que ocurre. Los sucesos de la misma. Lo que cuenta el dramaturgo en su obra.

Todo lo que confluye sobre el escenario -¡Todo!- debe estar orientado a alimentar esta Línea General. Cuando acciones y sucesos no cumplen esta condición y parecen ir en líneas paralelas a la trama, esta se vuelve confusa y no atrapa a los espectadores.

Los hechos importantes:

El dramaturgo tiene que ir poniendo en su obra hechos transcendentes que de vez en cuando sacudan al espectador. De no hacerlo su obra será aburrida. Demás está decir que los hechos tienen que corresponder con la Línea General de la obra.

Tiempo y espacio.

Las obras ocurren en un tiempo específico (algunas veces los autores son anacrónicos adrede procurando cierto tipo de efecto. En este caso el dramaturgo debe tener una lógica que justifique su anacronismo).

Un buen dramaturgo sabe que los seres humanos no actúan igual ahora que en el medioevo, que nos comportamos diferentes en el crudo invierno y en el caluroso verano, que variamos los comportamiento entre noche y día.

Las escenas transcurren en un tiempo teatral que la mayoría de las veces no tiene relación con el real.

Las piezas tienen su propio espacio vivencial. Ocurren en España, Rusia, República Dominicana, Puerto Plata, San Pedro; etcétera. Este hecho determina características singulares en los personajes.

En la realización escénica las obras ocurrirán en un escenario específico, con una o algunas escenografías. (Ciertos experimentos teatrales muestran varios espacios en el edifico en que se presenta la obra). El autor teatral tomará muy en cuenta las limitaciones de espacio que tiene el teatro.

Cuando algunos narradores escriben teatro tienen a olvidar estas limitaciones y hacen que sus personajes transiten tanto, que más que una pieza teatral escriben un guión de cine. 

 

Convencionalismos teatrales.

-El más notorio es el de los apartes. En ellos los personajes dicen parlamentos que los demás personajes, supuestamente, no escuchan.

-Una coma determina un inflexión.

-Tres puntos es una pausa muy breve.

-Una pausa es un corto silencio.

-Un silencio es un tiempo más largo sin palabras; pero siempre con acciones.

-Para muchos el teatro completo es un convencionalismo cuyas “verdades” son simplemente escénicas.

Lenguaje y estilo.

Las piezas teatrales definen su propio lenguaje. Este dependerá de los objetivos que persiga el autor, de la época, del país y los personajes.

Aparte de los estilos literarios tenemos en el teatro: tragedia, drama, comedia, sátira, melodrama, paso, entremés, auto, etc. 

 

El conflicto:

Para mi la célula madre del drama teatral es el conflicto. Aprendí de Octavio Paz que la gran literatura no es la que presenta al ser reconciliado consigo mismo, sino con el alma hecha jirones.

En este sentido los personajes tienen que entrar en contradicción con alguien o algo en el escenario. La intensidad de esas contradicciones hará más o menos interesante la pieza teatral. Manejar esta dialéctica es lo que nos convierte realmente en dramaturgos.

Debemos tener cuidado con los personajes históricos. No podemos presentarlos en el teatro en una sola dimensión (la que ya le asignó la Historia en su condición de héroe o heroína).

¡No! Ellos, como humanos, no son “químicamente” puros. Tienen pasiones como todo el mundo.

Si no las tienen, si no tienen conflictos (O no nos atrevemos a escribirlos) no nos sirven para ser llevados al teatro. Hagamos entonces con ellos un buen documental.

Texto Literario y Texto Dramático:

El Literario es el que escribe solamente el autor teatral. Empero, este debe saber que su texto será representado por otros: Directores y actores.

Precisamente es a estos a quienes corresponde convertir ese Texto Literario en un Texto Dramático, que es el que llega directamente a los espectadores y, desgraciadamente, también a los críticos y criticones.

¡Corran! ¡Telón! 

Nota: Un truco. Yo acostumbro a escribir primero un especie de cuento de unas mil quinientas palabras.  En este cuento narro la historia completa que luego formularé como obra de teatro. También hago un esquema literario con los nombres o características de las escenas que incluiré en la pieza en construcción. Les doy estos "atajos" pero no lo digan por ahí.

G.C.